作者：Danny Echevarria

出處：https://theproaudiofiles.com/recording-mistakes/

編譯：Mike. 李克鐮

數字時代的音樂制作讓很多人認為錄音過程相對沒那么重要了。如果最終的成品都是靠數字插件完成的，那還有必要考慮像話筒擺位和選擇話放這類錄音小細節么？是不是這些考量只是模擬錄音的遺產，早該被無所不能的數字處理技術淘汰掉？

答案當然不是！額，其實也沒那么絕對，畢竟當年音樂制作極耗精力的一些步驟現在可以通過數字處理輕松解決。但正確的錄音依舊非常非常重要，因為簡單的錄音也能被各種花式搞砸。就算插件才是你制作的核心所在，錄音錄好點也絕對不會錯。在前期錄音階段多花點心思通常能節約下大量耗費在后期整理和混音上的時間。這樣的話就可以多花點時間在創造性的工作上而不是浪費在解決本該在前期避免的問題上。做好錄音的另一個原因在于決策疲勞現象。簡單來講，決策疲勞指的是當我們在做了一長串的決策之后決策能力下降的情況。在長時間的制作過程會導致我們喪失判斷力。 在錄音時就早早地為作品的制作定下基調能避免瞻前顧后。而模棱兩可的工作方式，反反復復地調整插件和尋找虛無縹緲的極致音色不僅是浪費時間，還讓腦袋一團漿糊。

這篇文章能為那些需要真實錄音的人幫上大忙，而用虛擬樂器為主的話也可以借鑒一些思路。接下來列舉的幾條是最容易犯的錄音錯誤，同時也包括了一些解決辦法。

1. 缺乏對音色的塑造

你的工作室估計跟大家一樣：混音全靠插件，沒幾樣硬件設備。但再牛逼的插件不是你忽視原始輸入信號的借口。花點時間嘗試一下在錄音階段塑造樂器音色會有意想不到的效果。 如果你是用麥克風錄電吉他，那就要保證電吉他音箱里面出來的聲跟你的最終結果差不多，特別是靠踏板效果器塑造音色的情況下。錄架子鼓要把先鼓調到跟歌曲需要的音色。如果你對調音如何影響鼓的音色不太了解，可以找個鼓手朋友學學基本操作。就算是主要用插件來塑造音色，花點時間在錄音的時候調整也強過完全依賴后期混音。在早期的制作過程中就錄得較好的音質會讓后期處理時有更合適選擇，也能取得更佳的最終效果。

2. 演奏狀態欠佳

有缺陷的演奏雖說如今也能靠著各種修音軟件校準音高和節奏，但音頻工程師們也是迫不得已才做這類修復工作。當就差多錄一兩軌就能搞定的情況下，還非得依賴后期來修正不夠好的演唱就顯得很不值了。后期修音準會花費大把大把的時間。若是歌手肯多花15分鐘多錄幾遍把一段唱好，那恐怕能節省混音師一個來小時枯燥的工作。節奏修正也是一樣的道理，就算用上Pro Tools自帶的Beat Detective (節拍探測器)或者Logic Pro的Flex Time也會耗上大把的時間，結果也肯定不自然，稍不注意還搞出電音效果。

在這里吐槽一下。對混音師來說，給那些那些糟糕的演唱修音算是音樂制作中最無聊的環節。每每深夜修完音，那感覺像是對音樂不會再愛了，連葛優躺也無法詮釋內心的空虛。多花點時間唱穩點，可憐的混音師們才會有工作的動力和創造力。

3. 重復錄制太多軌

就跟錄的次數不夠，歌手還沒進入狀態，導致后期工作量激增一樣，錄了太多軌也會讓后期編輯選擇一片混亂。當歌手在錄音棚里過了幾遍并放松下來之后，每次表現都會有所提升。然而這樣的提升通常會在達到一定次數后停滯。如果繼續一遍一遍地錄的話效果都差不多，很難說哪一軌錄得更好。

這樣的話我們又會面對決策疲勞的難題。從20來個差不多的人聲片段中選擇肯定會讓人喪失判斷力。與其疊很多軌，不如在錄音時專心聆聽。當你覺得這個歌手或者樂隊已經達到最佳狀態后再多錄一軌。如果新錄的一軌有明顯的提升，那就接著再來一遍！如果感覺不到太大的區別就該就此作罷，繼續往前錄。

4. 隨意的麥克風選擇和擺位

麥克風的選擇對聲音的改變對錄音的結果異常重要。麥克風會給捕捉到的聲音帶上不同的音染，在錄音前嘗試不同的麥克風會帶來截然不同的效果。光是一件樂器的不同擺位方式就夠得寫一篇攻略了，而且正確的方式往往不止一種。有些樂器還得用上好幾只麥克風，更不用說錄制樂隊合奏的需要的進階錄音技術。對于架子鼓、鋼琴和豎琴這類復雜的原聲樂器，取得飽滿的錄音很大程度上取決于樂器在房間里的聲音效果，并據此擺放拾音位置。試試不同的距離，單聲道或者不同的立體聲擺位，還可以讓演奏者挪到錄音棚的不同位置。在這些不同的情況下都錄幾秒來比較選擇，當然多只麥克風產生的相位問題也不容忽視。

作者最近到位于洛杉磯的 Big Bad Sound 錄音棚跟 Zach Fisher 一起嘗試了幾只不同的麥克風在不同的擺位下錄底鼓的效果。同一底鼓在五只麥克風下的差異巨大的結果清楚地展示了麥克風選擇對聲音的影響。點擊下面試聽五只麥克風呈現出的不同音色。它們分別是Audix D6, Electrovoice RE20, Shure Beta 52, Sennheiser MD421 和 AKG D112。請盡量用專業監聽設備來感受低頻的差異。

試聽附件：http://www.midifan.com/down2/down.php?id=167

5. 電平不足……或過載

一定要注意讓輸入模數轉換器的電平足以蓋過錄音設備自帶的底噪。電平不足的信號意味著在后期提升音量的同時也提升了底噪。確保話放輸入電平正常的同時也要保證吉他音箱或者樂器本身的輸出信號足夠高。與之相反，很多話放會在事實上達到電平最高峰值之前就開始失真。當然，某些音樂風格要的就是這種模擬失真。尤其是那些經典款模擬設備，調高增益所造成的一點點的飽和失真本身就是花大價錢買的那股復古味。但如果音樂本身要的是非常純凈的音質的話，這種失真就千萬要不得。再強調一下，是否讓主唱在高潮部分有一點失真是你的決定，全憑你在錄音前做出的調整。

總結

錄音時總會遇到靈感突然迸發而來不及考慮太多的情況。最重要的自然是捕捉到那次精彩的演奏和動情的演唱。除此之外，做足準備，慎重決定才該是日常錄音的常態。花時間來修音修節奏會毀掉音樂最初的表現力；后期反復不斷地微調插件最終將導致聽覺麻木、喪失判斷力。

現今音樂制作很大程度上都是用虛擬樂器或者數字合成器。但就算是偏電子的風格也看重真實的錄音為音樂注入的靈魂。上佳的制作要在每一步做到極致：給樂器調好音，做好房間聲學，選擇合適的麥克風，找到恰當的麥克風擺位，再用上一款匹配的話放。這樣的話，后期無論用插件還是硬件混音都會輕松許多。從演唱演奏本身到音色的調整，取得好的錄音能給接下來的后期打下良好的基礎。

作者介紹

Danny Echevarria 是一位在洛杉磯土生土長的制作人和音頻工程師。在混音工作和酒吧里拉小提琴之外，他會到山里呼吸帶著燒焦味道的“新鮮”空氣。你可以通過他的網站 dandestiny.com 聯系他。